Unagi & me

HONORATO DE DIÓS HORTELANO

2008-11-25T23:27:00.003+01:00

El pasado Miércoles 19 de Noviembre, falleció Honorato de Diós Hortelano, maestro de artes marciales y fundador del Taeki Do.

El pasado Miércoles 19 de Noviembre, murió el hombre que me enseñó a ser el hombre que soy.

No he podido despedirme de él en persona. Me queda el consuelo de la constancia que recibió la carta más sincera que hasta ahora he escrito.

He llorado al saberlo. He llorado hace un rato y tengo mucho más que llorar por él.

Soy una buena persona, soy un gran hombre con una escala de valores rectos, correctos y estrictos. Soy el guerrero que Honorato forjó desde niño.

Soy un luchador, y los luchadores luchan, pero hoy, en honor y homenaje a Honorato, no voy a luchar.

Esté donde esté, Honorato, me va a perdonar que durante unos días sea sólo un hombre sin más, y llore su muerte.

El pasado Miércoles 19 de Noviembre fue un gran día para el cielo de los creyentes, porque consiguieron, por el precio de una vida, a un guerrero, a un padre de familia, a un amigo, a un visionario y a un maestro.

Descanse en paz Honorato y viva para siempre dentro de los que le lloramos.

En su escuela de artes marciales reza un escrito que nos enseñó de niños, hace ya años. Sirva de homenaje a su persona:

"Si puedes conservar la cabeza cuando a tu alrededor todos la pierden.

Si puedes confiar en ti mismo cuando los demás dudan de ti,

pero al mismo tiempo tienes en cuenta su duda.

Si puedes esperar y no cansarte de la espera,

o siendo engañado por los que te rodean no pagar con mentiras,

o siendo odiado no dar cabida al odio,

y no obstante no parecer demasiado bueno, ni hablar con demasiada sabiduría...

Si puedes soñar y no dejar que tus sueños te dominen.

Si puedes pensar y no hacer de tus pensamientos tu objetivo.

Si puedes encontrarte con el triunfo y el fracaso

y tratar a estos dos impostores de la misma manera.

Si puedes soportar escuchar la verdad que nos es tergiversada por bribones,

o contemplar destrozadas las cosas por las que habías dedicado tu vida,

y agacharte y reconstruirlas con las herramientas desgastadas.

Si puedes hacer un trato con todos tus triunfos,

y arriesgarlo todo a una carta, y perder,

y comenzar de nuevo por el principio,

y no dejar escapar una palabra sobre tu pérdida.

Y si puedes obligar a tu corazón,

a tus nervios y a tus músculos a servirte en tu camino,

mucho después de que hayan perdido su fuerza,

excepto tu voluntad que les dice que continuen adelante.

Si puedes hablar con la multitud y preservar la virtud,

o andar entre reyes y no cambiar tu manera de ser.

Si ni los enemigos ni los amigos pueden hacerte daño.

Si todos los hombres cuentan contigo por bueno...pero no demasiado.

Si puedes emplear el inexorable minuto recorriendo una distancia que valga sesenta segundos...

Tuya es la tierra y todos los que hay en ella,

y lo que es más importante... serás un hombre, hijo mío."

Joseph Rudyard Kipling (Bombay 1865 - Londres 1936)

Premio Nobel de Literatura en 1907.

María&me

2008-11-09T14:24:00.001+01:00

A propósito del título del blog del fotógrafo de barrio (El Precio de un RAW), una chispa de alegría.

Yo, en horas bajas.., muy bajas, con María. María siempre está en horas altas, porque tiene tanta vida que llega a cansar.

¿Quién puede dejar de luchar con tanta vida al lado?

¿Cuánto vale este RAW?

Este RAW no tiene precio.

Tenemos que dar a la fotografía el valor que realmente merece (la pobre, sufre ahora el síndrome del profesor...).

Un saludo.

Obama

2008-11-07T22:06:00.002+01:00

Esos pequeños momentos de alegría

2008-10-29T01:17:00.003+01:00

Lo malo de tener cámaras a la venta en la tienda, es que te las tienes que comer con patatas sí o sí. El cliente quiere verla, manosearla y tras pensárselo mucho o poco, se la lleva. Peeeeero.., "quiero una sin abrir".

Advertido de esto por mercenarios que pasan del lustro en esto de vender, hice una tremenda criba de lo que en principio quería vender y sólo tengo "en stock" 8 cámaras. Las ocho cámaras que he creído mejores dentro de lo que una persona de a pié puede permitir gastarse en una cámara sin tener mucha idea de fotografía.

Así, lo bueno de comerte con patatas las cámaras que ya tienes en tienda, en una tienda como la mía, al menos, es que esas cámaras son mías. Ello me da la oportunidad de tener siempre una cámara nueva que probar y estar siempre como un crío con un juguete nuevo; esas dos semanas nunca se acaban.

De entre estas cámaras, "extraoficialmente" (yo me entiendo) dejo a la vista de vez en cuando mi Sigma DP1.

Es austera y simple a más no poder, sin empuñadura ni hazañas estéticas o tecnológicas como la detección de caras y/o sonrisas, pero ello me hace recordar, cuando disparo con ella a través del visor externo, a alguna Leica telemétrica que ha pasado por mis manos.

Sí, sí.., siempre hablo de nostalgias y romanticismos e intento apartarme un poco de ellos, pero con esta cámara no sé qué me pasa. Me hace sentir más cómodo llevarla al cuello aunque sea para ir a comprar el pan. Me hace sentir fotógrafo más allá de las modas, las tecnologías o las marcas. Caigo en el romanticismo de Maka con su Mamiya y un Portra NC.

Es una cámara con una focal fija, con un visor externo que va en la zapata y parece algo rara, con algunas carencias surgidas de las prisas por fechas de presentación , supongo, pero es una cámara que llena la calle como Bruce Lee llenaba la pantalla sólo con aparecer en escena.

Lo mejor de todo es que por dentro, este pequeño aparato, es un monstruo que se come a más de la mitad de las réflex que se venden hoy, y a la otra mitad, les muerde hasta la rabadilla o más, si cabe.

Me trago mis palabras y vuelvo a hablar de lo que no quise en un principio (programas o cachibaches...), pero me puede el embriagador romanticismo del fotógrafo de calle, aquel que con una discreta Leica, negra y austera, sacaba grandes fotos de cualquier momento.

Ahora estoy esperando que llegue otro juguete que también me hace ilusionar, esta vez de la mano de Ricoh.

Redefino entonces la visión de este blog: sigo pensando en no poner casi nada de programas ni cachibaches, pero me permitiré hablar de alguna que otra emoción producida por ellos.

José.., tienes que probar qué tal suena el Jazz en esta cámara.

Un saludo.

"SOLO de mi hijo"

2008-10-14T23:35:00.002+02:00

¿Hacia a dónde va la Fotografía?

Voy a dejar de lado mi egocentrismo, mi egolatría y las medallas con ropa sucia que me pongo cuando hablo conmigo mismo, como ahora.

Dejo de lado también lo aprendido: el arte, el porqué de de esa necesidad de plasmar con óxido y a mano en piedra cruda las hazañas de caza, o a pincel los vivos ojos de un borracho con unas luces imposibles, o hacer huellas en materiales fotosensibles, fotos de guerra, fotos de pena, fotos tremendas y hasta textos, textos que dicen más de las fotos que muchas fotos de postes y/o excavadoras con contrastes y colores inverosímiles.

Me reitero. ¿Hacia dónde va la fotografía?

Mientras Photoshop (de pago, je, ahora soy "pro" y debo ir con las de la ley.., no?) va haciendo y deshaciendo entre imágenes de 8 a 15 GB, me pregunto si de verdad es necesario que éstas tengan que tener ése tamaño.

Soy un Friki (aunque algo menos que Hugo o Guillermo...) y un patológico obsesivo compulsivo, y soy incapaz de tratar una foto por la que me van a pagar, reportaje incluido, de 15 a 20€, como la trata la propia máquina, un simple aficionado o simlemente dar lo que pagan, una foto a pelo.

NO PUEDO.

Por eso no me valen tantos referentes antiguos, no tan viejos, contemporáneos ni gurús (dudables la mayoría) de los actuales. La fotografía, y vuelvo a mi egolatría, "MI" fotografía es la que es, soy yo, y no me quedan más cojones que darle una foto cojonuda a un tío medio imbécil que no es capaz de distinguir un atisbo de calidad, un mínimo diferencial, entre una fotografía de Erwin Olaf y una excavadora de J.M. Mellado. Es más, me pide hacerle las fotos de estudio con la cámara de fotos de carné, si sólo son de su hijo.

Me da vergüenza tener que tragar sapos tan babosos, pero es lo que hay.

Aún sabiendo que en España llevamos bastantes años de atraso en cuanto a civismo y educación dentro de la UE (todavía hay por ahí leyendas franquistas escritas sobre losas de piedras y respetadas por mayorías!!) me asombra oír atónito que una foto "SÓLO es de mi hijo" por ahorrarse quizás 4 ó 5 euros y ver cómo cada mañana y cada tarde, éste energúmeno va a tomarse dos, tres o cinco quintos, depende de la compañía.

Es una anécdota pesada, lo sé. Soy pesado, sí, lo sé, pero me hace preguntarme de nuevo hacia a dónde va la fotografía.

No es una pregunta retórica, ni tiene que ver con productos digitales, químicos o de cualquier otra índole. Es una pregunta de un neófito en esto de comerciar e intentar vivir de la fotografía, sin meter por medio la historia ni las triquiñuelas de los mercados.

Me alegra ver las fotografías de José Horna y su jazz, con una prehistórica Fuji S3 (que le da, para mi, tres patadas a la mayoría de las ultramodernas Photokinadas) y andar sabido de que sigue habiendo gente que encauza, a calladas y caminando sin ser vistos, esto de la fotografía actual, de barrio, de aficionado o de altos vuelos, con cámaras útiles, llámense S3, Mamiya 7 o caja de zapatos.

Desde el punto de vista de éste casi narcisista que acaba de abrir una pequeña PYME de fotografía, sigo preguntando a los pocos que me quieren aguantar (muy pocos, por cierto).

Miro mi cuenta bancaria y se me caen las ganas (por no decir pelotas) al suelo, pero miro a través de mi escaparate y veo mil posibilidades que dejan atrás a los cuatro dinosaurios que hay en mi ciudad y que venden 12 fotos por 100 o 120 euros.., 7€ más por foto extra. Ahí queda eso, je. ¿Es que hay otra cosa?

Claro que hay otra cosa, están esas mil posibilidades, pero cómo le haces ver a un tío que prefiere antes tomar tres quintos al día que una foto de su hijo (que va a durar más de 100 años) que esas posibilidades están ahí , ya no para ganarme yo la vida, sino para hacer mejor la de los demás.

La denostada fotografía de barrio está autolimitada tanto por parte de las arcaicas mafias de antiguallas enchufadas a cualquier tipo de asociación, partido y/o ayuntamiento, como por la atónita estupidez del consumidor que se siente orgulloso de no haber leído libros más que en la escuela y por obligación (si fueron a la escuela...).

Así que, si has logrado llegar hasta aquí sin bostezar más de tres veces y te apetece aportar algo, sin perogrullos ni grandezas éticas (aunque como dice Guillermo, "habló de putas la tacones..."), dime, ¿Hacia dónde va la fotografía?

Sobre ser o no una puta

2008-06-04T06:50:00.004+02:00

FOTOGRAFÍA. Koudelka, Pérez Siquier, Saudek, Olaf, Goldin, N. Brandt, José Horna o Marc Bordons...

Contando el tiempo autodidacta, llevo más de ocho años estudiando fotografía.

Fue hace cuatro años cuando decidí que no quería acabar con cincuenta años y con las articulaciones hechas trizas (aunque ahora las tenga como uno de cincuenta-milagroso cartílago de tiburón!-) por ganar 4 o 5.000 € al mes durante los pocos años que el cuerpo me aguantara a un ritmo frenético para lograr esas cantidades trabajando en la obra.

Fue hace cuatro años que mi mujer me animó a estudiar fotografía de alguna manera ajena a la que llevaba haciéndolo hasta entonces. Tienes sis bienes y sus males, pero lo aconsejo.

Desde que empecé a estudiar pagando no descarté ningún campo. Como con los fotógrafos y casi todo en esta vida, no tengo mitos ni metas fijas. No hay cumbres inalcanzables simplemente porque ahora, con dos hijos que te miran con pasión y llenos de vida, todas las cumbres están bajo mis pies.

Ha acabado los estudios siendo, sino el mejor, uno de ellos y como poco, el más comprometido.

Ahora voy a vivir de la fotografía. Voy a abrir un pequeño estudio en mi barrio con una pequeña tienda que regentará mi mujer, en la que ayudaré a la gente a conocer esto un poquito mejor, a cuidar más nuestros recuerdos para que dentro de unos años sean reales porque como dice Puncet, "la memoria es una gran mentirosa".

Ni voy a hacer las grandes fotos de Salgado, ni las pulidas tomas de Olaf o Recuenco, ni los tremendos reportajes de Koudelka. Voy a ser un fotógrafo de barrio.

Para fraseando a Ferrús en una charla en la escuela, dijo algo así como que era una "puta", ya que hacía lo que fuese (moda y publicidad en amplitud de campos) para ganarse la vida.

No estoy de acuerdo.

Hay una pregunta que Alejandro Maestre siempre nos ha estado haciendo mientras he estado estudiando con él. Tras mostrar una foto de un gran fotógrafo pregunta:"¿Quién es capaz de hacer esta foto?", y sin dudarlo, siempre solía ser el primero en levantar la mano.

No voy a ser una "puta". Voy a ser un gran fotógrafo que empezará vendiendo felicidad duradera en su barrio.

Quién sabe dónde acabaré.

Mi futuro, viendo a mis hijos crecer junto a mi esposa y haciendo lo que me gusta no puede ser más prometedor por mucha crisis que se nos venga encima.

Soy el aquí y ahora de la fotografía actual, porque la fotografía que haga aquí y ahora a cualquiera que me la quiera comprar marcará su vida hasta que muera.

En mis tarjetas reza:

Miguel Ángel Rojas Fotografía de Moda y Publicidad y Retoque Digital Avanzado.

Estoy tentado a poner simplemente:

Miguel Ángel Rojas Fotógrafo de Barrio.

Un saludo.

Corinne Day

2008-04-16T21:04:00.006+02:00

Una chica guapa vestida con ropa bonita, fotografiada contra un fondo blanco, siempre parecerá un retrato de moda. Al fotografiar moda en una localización natural ésta siempre tendrá más posibilidades, donde la línea entre fotografía de moda y documental puede ser a veces confusa.

En 1993 fotografié a Kate Moss en su propio piso para Vogue británica (foto 1a y 1b). En aquel contexto de revista de moda las imágenes parecían tener un cariz documental y cuando fueron publicadas, causaron cierta fricción y disconformidad. Se dijo, al mismo tiempo del shock que estas fotografías causaron, was like that of a cider obliterated punk wandering into a coming-out ball.

foto 1a

foto 1b

La fotografía de Georgina Cooper publicada en Diario, 2000 (foto 2), fue más allá de la frontera entre moda, documental y arte.

foto 2

Cuando se crea una relación entre entre el sujeto y el fotógrafo, tiene lugar una interacción natural, haciendo las imágenes más íntimas, revelando vida en los ojos de la persona que es fotografiada que es primordial. Como pasó en las fotos de Kate, Rose y Georgina.

La fotografía de Kristen, 2000, con el vestido rosa tumbada en el sofá (foto 3) se tomó en un bloque de pisos abandonado pendiente de demolición. Se colocó ese sofá que entonaba con la decoración de la sala. La textura raída del vestido parecía harmonizar con el papel rasgado de la pared detrás de él, dejando entrever y mezclando la el caos y la violencia oculta en los restos de las vidas de las personas, mientras la plácida sonrisa de Kristen yace iluminando la tristeza de la situación. El vastido rosa parece una prenda usada, per es, de hecho, una creación de John Galliano. Creo que no puede haber belleza real sin decadencia.

foto 3

La fotografía de Tania, 1995 (foto 4), la muestra sentada en la cama, con aspecto triste como si se la fueran a comer las facturas, tratando de distraerse en realidad con la cuenta de los sandwiches que habíamos comida ese día en la habitación del hotel. Sin esta información, es espectador hubiera asumido fácilmente otra cusa posible de su tristeza.

foto 4

La fotografía de Ben para Vogue UK, 2003 (foto 5), fue tomada en el cabaret Lido de París. Esta foto muestra a Ben, con luz ambiental, mirando en el espejo cómo una mujer mayor permanece tras ella arreglando parte de un vestido. El contexto de moda de esta fotografía parece abíguo porque Ben está situada en los bastidores de un cabaret, vestida como una vedette.

foto 5

Cuando una chica no ha trabajado nunca como modelo, dará su propia personalidad al fotógrafo porque no conoce nada diferente a ella misma. En la fotografía de Rose para el Uomo Vogue, 1993 (foto 6a y 6b), una revista de moda masculina, se cuidó el estilismo y se cortó el pelo a Rose para darle una apariencia más andrógina y desdibujar su sexualidad. Rose está de pié, vostezando, parece aburrida y algo a disgusto. Llevó su tiempo tomar esta fotografía, esperando a que Rose brindara su propia personalidad y expresión en las imágenes. Luego, la imagen de Rose parpadeando cambiando su apariencia otra vez, da la sensación de ver a un chico joven bajo el efecto de alguna droga (foto 7).

foto 6a

foto 6b

foto 7

Oscar Wilde dijo una vez “ser natural es una pose realmente difícil de mantener”.

Fuente: Face of Fashion, de Susan Bright. Nattional Portrait Gallery of London.

Corinne Day (nacida en 1965) es una fotógrafa británica, cuya influencia en el estilo y la percepción de la fotografía de principios dela década de los 90 ha sido inmenso. Como fotógrafa autodidacta, Day aportó una mirada de corte documental a la fotografía de moda de entonces, en la que a menudo se incluyen elementos biográficos. Day es conocida por la formación de largas y estrechas relaciones con muchos de sus modelos (la más famosa Kate Moss), que se han traducido en retratos francos e íntimos.

La más notable de estas relaciones está en las fotografías de Moss en la 3 ª edición de “Verano del Amor” de la revista FACE, en 1990. El particular punto de vista de Day ilustró las revista de tendencias y moda de los 90, llegando a ser reconocida internacionalmente.

En 1993 fotografió a Kate Moss en su propio apartamento para Vogue británico. En el contexto de una revista de moda las imágenes parecían tener un cariz documental y cuando fueron publicadas causaron cierta fricción y disconformidad.

Del 94 al 2000 Day usó gran parte de su tiempo de ocio tomando fotografías para su primer libro, Diario (Kruse Verlag , 2000), un registro visual intensamente personal de su vida y amigos. Es a veces un tanto sombrío y triste pero también es una poética y honesta crónica de vidas jóvenes.

Para mi hay dos palabras estrechamente ligadas al nombre de Corinne de que vienen a mi mente inmediata e irremediablemente cada vez que veo, leo o escucho fotografía y/o nombre de Corinne Day. Esas palabras son Nan Goldin.

Day supuso a la fotografía de moda algo parecido al hito que marcó Goldin en la fotografía personal o de autor de los 80.

La fotografía de Day de los 90 supuso una ruptura con el corte clásico de la fotografía de moda de entonces.

Day presentaba a chicas, modelos, en poses y momentos espontáneos y desfavorecedores. Momentos de aburrimiento, tristeza, irritabilidad y enfado era algo inusual en revistas de moda como Vogue, por lo que causó en un primer momento una conmoción en el mundo de la fotografía de moda.

La magia de la fotografía de Day está intrínsecamente ligada a la misma magia que emana de la fotografía de Goldin. Muestra a chicas, más allá del hecho de que sean modelos, desde un punto de vista totalmente sincero, sin artificios, de un modo que incluso a veces, puede resultar hasta algo duro y cruel.

Day mantiene estrechas relaciones con sus modelos hasta el punto que logra obtener tal naturalidad de ellas que el resultado es, sin más, el retrato de la propia personalidad de la chica fotografiada, dejando incluso relegado a un segundo plano el motivo principal de su fotografía, la ropa.

En ocasiones, aquella fotografía de Day de principios de los 90, recuerdan e incluso pueden llegar a cruzarse en la memoria con muchos de los retratos que Goldin nos muestra a través de su diario personal.

Corinne Day sigue siendo en la actualidad una fotógrafa que marca tendencias, trabajando para grandes marcas y revistas de moda, como reportajes para Vogue en las versiones UK, Italia y Japón.

De sus exposiciones destacan las mostradas en la National Portrait Gallery, Victoria & Albert Museum, Tate Modern, Saatchi Gallery, The Science Museum, The Design Museum, Photographers Gallery, Gimpel Fils London e incluida en The Andy Warhol Eshibition en el Withney Museum NY

Es difícil no obstante encontrar información y/o fotos de aquella fotografía rompedora de Day en los 90. En su página web, se pueden ver muchas de sus últimas fotografías pero para ver imágenes anteriores hay que acudir a bibliografía.

Se pueden encontrar originales en la red, pero me temo que a precios bastante altos, rondando los 300 dólares, y casi siempre de segunda mano (aunque en buen estado) pero cabe la posibilidad de conseguir, como hice yo, el libro del cual está extraído el texto de Day que encabeza el artículo.

Sobre necesidades personales

2008-03-29T10:03:00.002+01:00

En una charla con dos profesores en la escuela sobre digital sí, digital no, y de cómo se trata este asunto en internet a nivel de foros, blogs y demás, salió una clara conclusión: "digital sí o no, da igual, pero enséñame tus fotos."

Es, a fin de cuentas, a lo que siempre se resume honorablemente esto, lo que cuentan son las fotos.

Pero ¿son las fotos lo que realmente cuentan?

Uno de esos profesores, Hugo Rodriguez, es un "gurú" de la red en cuanto a fotografía digital. Hugo, además de "gurú" es fotógrafo, y de aquellos que aprendió con químicos, películas y zonas.

Él, enamorado del baritado, está prendado por las cualidades del papel de fibra de Permajet. Según dice, prácticamente no hay diferencias con el clásico.

Claro, a todo esto muchos se me echarán encima por sacrílego y cuatro o cinco cosas más, pero citar a Hugo en este texto no es anecdótico, tiene más fuerza la opinión suya que la mía (aún a riesgo del "lo diga quien lo diga).

Entonces, cuando la mayoría de nosotros no hace copias de más de 50x70cm, ¿porqué tanto problema y tanta discordia sobre si la captura es con película o sensor?

¿Lo que importa no es la copia final?

Yo he tirado con película, he tirado con papel, he tirado con sensor.., y sin duda, me quedo con el sensor.

Para mi, tirar con película responde más a una necesidad personal que real. El proceso químico sigue teniendo ese toque romántico que hará que la película, frente a ágoras de muchos, siga y prevalezca con la misma fotografía.

De verdad me gustaría sentir ese aprecio por todo el proceso químico, pero no es así y lo que realmente me llena es ver la copia final, siendo mucho más práctico que romántico.

Seguiré viendo, oyendo y leyendo las eternas disputas de si es mejor la película, si el digital la supera ya o cien mil cuestiones similares que en realidad, no conducen a mucho (aunque llenan con pasión algunos ratos de ocio).

Mientras, sigo tirando con cámara digital, procesando rápida y cómodamente en mi despacho e imprimiendo copias de igual calidad y/o posible durabilidad que los procesados químicos más habituales.

Probar y errar

2008-03-27T19:11:00.000+01:00

Con el primer libro de fotografía que cayó en mis manos, un manual, se me abrió un pequeño mundo de posibilidades que hacer con la primera réflex que tuve colgada al cuello, una Minolta Dynax 300, de mi primo.

Velocidad, diafragma, Ev, profundidad de campo... Un montón de información que a priori parecía difícil de acompasar para una sola foto.

Así que como casi todos, tirando carretes y cambiando de cámaras, fui descubriendo como funcionaba todo lo que los libros explican a base de meter la pata, unas veces un poco y otras hasta el fondo.

Más tarde, también de la mano de mi primo, llegó el revelado y el positivado y con él la primera curiosidad seria por saber un poquito más. Así que conocí primero los libros de Manolo Laguillo y Antonio Corral de la escuela GrisArt y seguidamente a Ansel Adams y su famosa trilogía.

Lo primero que me impactó (por así decirlo) fue como se denostaba ese método de aprendizaje que tan celosamente había seguido, el de ensayo y error. Ese hombre, Adams, proponía un método de previsualización, de un conocimiento máximo del medio para aprovechar lo mejor posible tanto la cámara, como el procesado del negativo como la copia final, de acuerdo a nuestros deseos.

Luego, hace relativamente poco, conocí a otro hombre cuya línea de aprendizaje está bastante separada de la mía.

Guillermo Luijk es un fotógrafo que ha pasado muchas más horas delante de un ordenador que de una cámara. Es un forense del Raw.

Fruto de esta avidez por desenmarañar los unos y ceros de que se compone una imagen digital, tiene, a vista de todos y seguro a pesar de algunos, una pequeña web con interesantes artículos que remueven, algunos de ellos, lo que más les duele a los que nos quieren vender la moto, verdades y mentiras de la revolución digital.

Lanza ahora su nuevo programa (que no el primero) Zero Ruido. Es una potente herramienta para conseguir tomas con un alto rango dinámico (HDR) de calidad con un nivel cero real de ruido.

¿Qué gana el señor Luijk con este programa? Hasta donde yo sé, lo mismo que puede ganar cualquier fotógrafo que inaugure una exposición gratuita, el gustazo de que la gente vea lo que haces.

Es ahora, conociendo el medio a la perfección, cuando este hombre empezará su carrera fotográfica, dejando poco o muy poco margen para el error. Es una línea de aprendizaje, bajo mi punto de vista, envidiable y no al alcance de todos.

Me propuse en un principio no escribir aquí sobre cachivaches y/o programas, pero la salida, al fin, de este software es sólo la guinda que adorna el pastel del (re)nacimiento de un futuro fotógrafo, se dedique a lo que se dedique.

Si hasta ahora, sabiendo más de comandos que de fotografía crea imágenes como las de arriba, lo que viene, tras saber qué tiene entre sus manos, tiene que ser, por fuerza, mejor.

www.guillermoluijk

De fotos, fotógrafos y personas.

2008-03-24T18:07:00.000+01:00

Hay tantos tipos de fotografía como de fotógrafos y hay tantos fotógrafos como singulares somos las personas, aunque a casi todos nos mueven las mismas cosas.

Me estoy recuperando de un accidente y todavía me cuesta aguantar la cámara mucho rato. La cojo y coloco a mi hijo de dos semanas de vida con mi hija, de tres años de edad, en la cama de su recién estrenada habitación. El crío no aguanta mucho, pero María está hoy con ganas de posar.

Cuando acabo, descargo las fotos con un poco de ansia. Hace mucho que no tiro más de diez fotos seguidas.

Las abro con LightRoom, ajusto la primera, la que más me gusta de María y para las otras, sólo sincronizo esos ajustes.

El resultado es una sesión que me gusta de algo más de 20 fotos.

Ahora voy a imprimirlas.

Me gustan estas fotos. Es mi hija y verlas me transmite el ambiente del rato de tomarlas.

Me gustan.

Es bueno volver a coger la cámara y que salga algo que te hace sentir bien.

¿Lo malo?

Que mi mujer no las ha visto y cuando las vea.., "¿porqué le has hecho fotos tan raras y con esos colores?"... No le van a gustar.

Somos diferentes e igual que para mi mujer el hecho fotográfico se acaba en el típico álbum familiar y en la poca publicidad a la que presta atención, yo estoy contento de que mis hijos vayan a tener fotos diferentes el día que les toque llevarse algo de mi.

Con fotos diferentes, fotógrafos diferentes y personas diferentes no es de extrañar que en algún lugar de encuentro de miles de internautas surjan discrepancias y hasta rencillas ocasionales.

Eso es bueno, discrepar lleva a discusiones que la mayoría de las veces enriqueven.

Lo malo sería que mi mujer me dijera que si sigo haciéndole fotos "raras" a mis hijos no me dejara hacerles más fotos.

Estaba más o menos a gusto en ese foro de internautas, pero harto ya de cerrojazos, ambientes enrarecidos, apagones puntuales y personales y avisos con sabor a amenaza.., mejor me quedo fuera, que dicen que lo malo se pega pronto.

Las últimas palabras de uno de los moderadores, Leondemoncayo, fueron: Miguel Ángel... Eres una decepción, precedido de una sarta de tonterías basadas en una corta y triste visión tanto de la queja de otro ex-miembro de ese foro como de un trabajo personal.

Ha sido la gota que ha colmado el vaso, así que ahora ando buscando un hueco en otro sitio (esto de los foros engancha) y tengo esa mala sensación de saber que, aunque voy a echar de menos el foro y muchos de los participantes, por culpa de algunos moderadores Ojodigital... Es una decepción.

Un saludo.

La mirada de 45 Fotógrafos mejicanos

2008-01-13T11:34:00.000+01:00

Os traigo el enlace a una exposición de fotografía mejicana singular y magnífica en la que pasar un buen rato creciendo con fotografía.
En un principio había pensado escribir un artículo yo mismo acerca del avento, pero al leer la presentación escrita, tanto por parte del Director del Museo de Arte de Guangdong, China, Wang Huangsheng, como del Director del Centro de la Imagen, México, Alejandro Castellanos, cualquier coas que diga queda pequeña.
Recomiendo leer atentamente ambos textos antes de enlazaros y hacerlo con un rato por delante porque hay mucha fotografía que ver y disfrutar.
Mi opinión.., sí, hay fotografía que me llega más que otra, pero el evento en sí mismo es abrumador por grande y pretencioso y me da envidia de la sana el no ver (o saber de ello si lo ha habido) algo así por aquí en España (mejor en Cataluña, para no desplazarme mucho, je).

El link, la copia y muestra aquí de la acotación que se incorporan cuentan con el permiso de Francisco Mata Rosas, fotógrafo y curador de la exposición junto con Pedro Meyer.

“Presentación.

Heredero de las glorias de las antiguas civilizaciones azteca y maya, influido por la modernidad y la civilización europea contemporánea, así como por extraños contextos geográficos y climatológicos, México posee un rostro único, complejo y diverso con un profundo sentido vital, que le hacen un lugar maravilloso para el arte fotográfico y otorga a sus fotógrafos de un ojo especialmente sensible.

Los 45 grandes fotógrafos mexicanos contemporáneos traen sus trabajos más representativos a China, y exponen al público chino una rica muestra de la fotografía mexicana actual. Estos fotógrafos, con el corazón repleto de los abundantes recursos de una filosofía, historia, cultura y arte únicos, dirigen su mirada hacia México y también a China. A través de su mirada, uno puede ver que estos fotógrafos han indagado seriamente sobre cuestiones de religión, costumbres locales, desarrollo social y urbanización, delineadas por la herencia histórica y el contexto contemporáneo, lo local y lo global entrelazados. Al mismo tiempo, toman la situación en México como un ejemplo para concientizar al público y llevarlo a explorar los diversos problemas de cada cultura.

La nación mexicana es muy religiosa, por lo que muchos fotógrafos ponen sus cámaras dentro de escenas religiosas o contienen una metáfora religiosa dentro de lo cotidiano, provocando una meditación profunda acerca de la calidad de lo religioso. ¿No es acaso la foto de Fernando Montiel de la familia de tres personas en su patio, una metáfora de la Santísima Trinidad? Muchos fotógrafos de esta exposición han trabajado profesionalmente en la prensa en algún momento de sus carreras, lo que provee a su mirada de un claro sentido documental y les da la capacidad de capturar el momento más representativo de un evento. Enfrentándonos a los ojos de un desalmado soldado, podemos sentir todavía el horror a la ceguera y el terror de las máquinas de guerra en la obra de Antonio Turok.

Algunos fotógrafos enfocan su cámara en los recuerdos y pensamientos personales, explorando tanto el sentimiento y el reconocimiento de sí mismos como la realidad psicológica. Al re-inspeccionar de nuevo las fotografías que su abuela le tomó en su infancia y las fotos tomadas por ella de su abuela y de ella misma para guardar registro de su memoria, Ana Casas halló la manera de meditar sobre sus raíces y su identidad. Al mirar las fotografías familiares de Ana, el público reflexionará sobre su propia vida, recuerdos y realidad Psicológica.

Hay muchos fotógrafos que dirigen su mirada a personajes especiales de la sociedad, tal como Patricia Aridjis con sus fotos de mujeres internas en un reclusorio en México, y que tienen cicatrices tanto en el cuerpo como en el alma; Enrique Villaseñor nos muestra el sufrimiento de niños que padecen de parálisis cerebral y que desean ser escuchados por la gente; Susana Casarín se enfoca en los homosexuales y lesbianas que posan con valor y naturalidad frente a la cámara; Daniela Edburg presenta bellas imágenes de mujeres perdidas dentro de los bienes de consumo, que llevan a una reflexión sobre los problemas causados por el rápido desarrollo de la sociedad y un veloz paso del tiempo. Sin importar si la foto es a color o a blanco y negro, si se usa película o técnicas digitales, o si se adoptan métodos convencionales o conceptos de vanguardia, los fotógrafos tratan de meditar acerca de cuestiones sociales y de la realidad a través de sus imágenes, y de evaluar la esencia de la vida y del espíritu a través de diversos fenómenos.

Ésta es la más grande exhibición de fotografía mexicana jamás presentada en China, con la curaduría de Pedro Meyer y Francisco Mata, quienes poseen agudos y sensibles ojos y una gran capacidad de organización, siendo ellos mismos fotógrafos de gran influencia a nivel mundial. Manifestamos nuestro mayor respeto y agradecimiento al Sr. Pedro Meyer y al Sr. Francisco Mata por su sabiduría y todo su arduo trabajo para llevar a cabo esta exposición.

Esta exposición ha recibido gran apoyo y ayuda de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, El Centro de la Imagen y la Fundación Pedro Meyer, a quienes expresamos aquí la mayor de las gratitudes. Queremos también expresar nuestro deseo de que crezca la comunicación y la cooperación cultural y artística entre México y China.

Wang Huangsheng
Director del Museo de Arte de Guangdong, China.

Imágenes de México en China

Con la muestra La mirada de 45 fotógrafos mexicanos se presenta por primera vez en la historia una selección representativa de fotógrafos de nuestro país en China gracias a las gestiones de la Fundación Pedro Meyer, que inicia así sus actividades de promoción con un proyecto coordinado por Francisco Mata y Pedro Meyer, que refleja la diversidad con la que se producen y se piensan actualmente las imágenes en México.

Hasta hoy han sido escasos los contactos entre la tradición fotográfica oriental y la que se realiza en América Latina, región que alguna vez describió el politólogo y diplomático Alain Rouquié como el extremo occidente dados sus estrechos vínculos con la tradición cultural occidental, pero también por su posición a la vez periférica y estratégica, desde la cual ha mantenido intercambios específicos con otras culturas del mundo, como la oriental, presente sobre todo en países como Brasil y Perú, ó en ciudades como Mexicali en el norte mexicano. Estos asentamientos de población oriental han enriquecido notablemente la cultura y la imaginación en nuestros países, refrendando, de alguna manera, la ruta de los primeros pobladores de nuestro continente, venidos precisamente de oriente.

En La mirada de 45 fotógrafos mexicanos, Francisco Mata y Pedro Meyer han estructurado una visión de conjunto que ayuda a comprender la manera en que la fotografía refleja los profundos cambios sociales y culturales por los que transita la sociedad mexicana en los inicios del siglo XXI. A través de la pluralidad con la que perciben el mundo los fotógrafos mexicanos, es posible identificar múltiples dimensiones de la realidad, no necesariamente dependientes de un contexto geográfico específico, pero sí de un autor que imagina y crea desde un lugar en particular.

Es conocido el prestigio de Pedro Meyer como un visionario que ha ensanchado los horizontes para la fotografía de nuestra región. Su labor como presidente del Consejo Mexicano de Fotografía, entidad desde la cual coordinó de los dos primeros coloquios de fotografía latinoamericanos, realizados en 1978 y 1982, y posteriormente como director de zonezero.com, ha sido decisiva para que se conozca en el mundo la obra de numerosos fotógrafos de todo el mundo, en especial de México y América Latina. Por su parte, Francisco Mata es uno de los fotógrafos mexicanos de mayor proyección internacional actualmente. Su labor como editor y colaborador en diversos proyectos de difusión de la fotografía mexicana le ha conferido una experiencia notable en la creación de discursos iconográficos con imágenes propias o ajenas.

El Centro de la Imagen colabora en este proyecto como enlace con la Secretaría de Relaciones Exteriores para apoyar la visita de cinco fotógrafos mexicanos a China. El Centro de la Imagen recibió al Dr. Wang Huangsheng, director del Museo de Guandong , para conocer directamente sus experiencias y para la revisión del trabajo que se presentará en la exposición. Celebramos así la apertura de una nueva ruta para la promoción de las imágenes mexicanas en el mundo con un proyecto que será, sin duda, referencia obligada para sustentar los intercambios sobre fotografía que sucedan en el futuro entre China y México.

Alejandro Castellanos
Director del Centro de la Imagen, México.”

LA MIRADA DE 45 FOTÓGRAFOS MEJICANOS

Francisco Mata Rosas

2007-11-29T14:20:00.000+01:00

Después de más de tres horas mirando imágenes y videos me he quedado en blanco a la hora de plantear un artículo sobre el fotógrafo que os presento.

Francisco Mata Rosas es un fotógrafo mejicano de casi 50 años con un crrículum de trabajo y premios poco menos que impresionante.

Pero lejos de tener una web de corte comercial nos presenta su obra en un mundo de imágenes y videos desnudas y francas.
Es la fotografía que más me gusta y no puedo ser objetivo. Como alguna vez digo, cuando sea grande quiero hacer fotografías como las de Francisco.

Lo descubrí en un foro fotográfico y tras una simple ojeada a su obra le pedí permiso para linkarlo en este blog y en menos de 24 horas amablemente me lo dio.

Recomiendo clicar el enlace más abajo con, al menos, una hora tranquila por delante porque hay mucho que ver, mucho que leer más allá de las palabras y mucho que oir.

Espero que como para mi, desde ahora, sea un referente en la fotografía social actual para muchos de vosotros.

©Todas las imágenes propiedad de Francisco Mata Rosas

Francisco Mata Rosas

Un poco de historia

2007-11-04T09:51:00.000+01:00

El Círculo de Bellas Artes de Madrid tiene acualmente un exposición, la cual me gustaría visitar, titulada "Momentos estelares . La fotografía en el siglo XX" que finaliza el 18 de Noviembre del presente año.
Aquí tenéis el prefacio de la misma de su web (http://www.circulobellasartes.com/ag_expo.php?ele=38):

"Si el siglo XIX vio nacer la fotografía, un medio que ha tenido un papel fundamental en la conformación de nuestro imaginario visual y en nuestra memoria colectiva, el siglo XX asistió a su consagración como una de las bellas artes. Actualmente la fotografía es uno de los medios de expresión artísticos más importantes. Filósofos, historiadores y ensayistas han reflexionado en torno a su complejidad, la riqueza de opciones que ofrece, su papel histórico como guardián de la memoria, o la importancia de la imagen en el mundo contemporáneo.

La exposición pretende subrayar la gran riqueza temática, conceptual y experimental que este medio de creación conlleva. Y lo hace a través de los nombres más relevantes de la fotografía en el siglo XX, así como de una importante documentación en relación con la fotografía publicada: catálogos, revistas, libros....

Momentos estelares es una exposición única tanto por sus características como por sus dimensiones.En todo caso, no se trata de una historia de la fotografía sino de un recorrido por momentos y autores que han contribuido y siguen contribuyendo a su desarrollo y pleno reconocimiento como lenguaje creativo.

Comisarios: Hans-Michael Koetzle y Oliva María Rubio"

Quizá no hubiera remarcado la exposición por ser yo de cerca de Barcelona y estar esta en Madrid (demasiado lejos), pero lo interesante de la misma, es que en la web del CBA está el catálogo de la exposición con todas las placas de la misma.

Es un buen documento. Tenemos en él todos los momentos de la historis fotográfica, aunque algo concisos, bien explicados y gratis! (que no suele ser lo habitual).
Os recomiendo que lo descarguéis y lo repaséis. Imprescindible tanto para el que quiera saber algo más como para que quiera volver a repasar de dónde venimos.

Gracias a Ignatius del foro de Ética y Estética fotográfica por dar a conocer el enlace.

Un saludo.

Ética fotográfica 01

2007-11-03T10:42:00.001+01:00

Cada dos por tres leo en foros a gente, novatos o veteranos en esto de la fotografía, que menosprecia la fotografía digital por falsa, sobreprocesada, complicada o falta de seriedad, por todo lo que con ella se puede conseguir.

Así que decido hacer una prueba. Hago una foto con una compacta y le aplico los artefactos propios de una fotografía estenopéica revelada en casa. La cuelgo y cuela.
Nadie duda ni sospecha de que se trate de una toma digital ni tienen porqué hacerlo pues el resultado es totalmente real.

Tengo imágenes digitales tratadas como polaroids y seguro que pasan también como tales sin que nadie dude.

Se puede conseguir cualquier resultado estético con la toma digital en pantalla y casi cualquiera en soporte físico.

¿Cual es el problema con ésta fotografía?

Está claro que para el fotógrafo avanzado, conseguir un resultado determinado es sólo cuestión de tiempo y seguro que conseguir una estética determinada, una vez se tienen las ideas claras, no cuesta, en tiempo, más de treinta minutos.
¿Cuanto se tarda en conseguir un buen blanco y negro en un laboratorio químico? ¿Qué cantidad de posproceso es necesaria? Se tarda mucho más que en digital.

Desde la misma aparición de la fotografía hasta ahora, pasando por pictorialismo, vanguardias, pop art.., ha habido siempre discusiones sobre lo que vale y no vale, sobre lo ético y lo no ético.

Para mi, salvo en determinadas circunstancias, el uso de un soporte químico responde más a motivos “románticos” que a una necesidad real.

El problema está, claro, en el límite ético.

Si cuelgo una foto con apariencia de polaroid, la hago pasar como tal y todo el mundo se lo cree.., ¿es eso ético? Sigue siendo fotografía, pero ¿es mentir?

Creo que lo ético es decir de donde viene la fotografía, pero entonces, de parte del observador, ¿es ético menospreciar la toma por no tener el origen que se esperaba (como en el caso de una falsa estenopéica)?

En este segundo caso y ante la sinceridad, lo ético es admitir que al final, lo importante es el resultado sin importar la procedencia.
Es paradójico decir que sólo importa el resultado teniendo que haber concretado la procedencia de la imagen, pero creo que es lo más ético.
¿O no?

Un saludo.

Edward Sheriff Curtis

2007-10-28T08:56:00.000+01:00

Edward Sheriff Curtis (1868-1952).
Curtis es uno de los fotógrafos que más me ha impresionado desde que empecé a estudiar fotografía. La calidad de sus obras y todo lo que ella me transmiten hacen que sea par mi un artista más que sólo un fotógrafo.
La dedicación de una vida a una obra, la capacidad de empatía que demostró tener y la perseverancia son factores que hacen que admire a Curtis, tanto como artista, como fotógrafo y como persona.
Curtis nació en un pueblo de Wisconsin en 1868 y tras la muerte de su padre, con la ayuda de un manual, se dedicó a aprender fotografía. Viviendo en Seattle logró hacerse con un estudio en el que fue empleado previamente, llegando a ser el fotógrafo más famoso de la ciudad. Aventurero y excursionista empezó a hacer retratos de Indios hasta que en 1898, en una de sus expediciones, se encontró con un grupo de científicos perdidos a los que enseñó su obra tras llevarlos a lugar seguro.

Tal fue el agrado de los científicos que un año después se vió embarcado en una expedición científica a Alaska con John Muir, C. Hast Merriam y George Bird Grinnell. En el viaje y en compañía de los mismos, Curtis aprendió entre foto y foto técnicas y métodos de investigación científica.
Pero fue en 1900, en otra expedición con Grinnell a Montana, en la que Curtis tuvo un cambio de perspectiva artística y científica. Fue el principio de su interés serio por la vida de los Indios.

Hacia 1903 Curtis tuvo la idea de documentar la vida de las diferentes tribus Indias y se embarcó en lo que fue el mayor proyecto de su vida, finalizando éste con la publicación del último tomo de su enciclopedia: “ The North American Indian, being a series of volumen picturing and describing the Indians of United States and Alaska…”. La enciclopedia constaba de 20 tomos impresos en papel de alto gramaje y encuadernados en piel. Cada uno de los tomos estaba ilustrado con 75 planchas de 14x19cm y a veces con gráficos y mapas e iba acompañado de una carpeta con 36 fotograbados de aproximadamente 30x40cm. La enciclopedia de Curtis fue y es uno de los más valiosos documentos sobre los Indios americanos que existen.
Pese a la dificultad de trabajar la mayoría del tiempo a campo abierto, sus fotografías, sobretodo sus retratos, son de una calidad difícilmente superables (según mi opinión) hoy en día, no solo por la calidad técnica de las reproducciones, sino por la calidad artística de las mismas.

Para la selección de imágenes sobre Edward Sheriff Curtis, he decidido mostrar solo 12 fotos suyas y ocho de otros autores, coetáneos de él, para explicar porqué sobresale de entre todos los que en su camino tuvieron que ver con la fotografía de nativos americanos.
Dado que Curtis se dedicó en principio a la etnografía, he buscado los autores más relevantes de su época o anteriores a él.
El primero de ellos es Timothy O´Sullivan (1840-1882). Es uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía americana del siglo XIX. Aprendió trabajando para Mathew Brady y Alexander Gardner. Su obra se basa principalmente el la guerra de secesión americana y en paisajes del oeste americano. Los trabajos de O'Sullivan son notablemente modernos por el ángulo que utiliza en sus composiciones y el enfoque directo y sincero con el que trata los temas más dramáticos, restándoles gravedad. Sus paisajes combinan la belleza con el detalle y la objetividad de un científico.

O´Sullivan relizó su trabajo con la técnica del colodión húmedo, creando con su obra un archivo de negativos en placas de cristal, copiando sobretodo en soportes a la albúmina.
El segundo es John K. Hillers (1843-1925). Era barquero del Río Colorado, y tras una expedición en la que conoció la fotografía, se dedicó a ello. Llevó a cabo expediciones con fines geológicos y arqueológicos de los que dejó un gran registro de imágenes dejando también un pequeño archivo de fotografías de Indios americanos. Hillers empezó su carrera con la técnica del colodión húmedo sumándose después a los avances de gelatina bromuro y las placas de acetato de celulosa. Entre sus copias hay soportes de diferentes tipos y técnicas, desde copias a la albúmina hasta fotograbados.
El tercero y último de los fotógrafos que he elegido para comparar el trabajo de Curtis es Adam Clark Vroman (1856-1916). Vroman empezó su carrera como amateur sobre 1892. En 1895 empezó su trabajo fotografiando las Misiones en el Oeste americano, y ese mismo verano partió en expedición a Arizona. Durante los siguientes años, se dedicó a fotografiar Indios al tiempo que escribía y editaba libros. Su archivo fotográfico es importante. Al igual que Hillers, sus técnicas fotográficas varían desde el coludión húmedo hasta las placas de acetato de gelatina bromuro.

Tras ver y analizar las imágenes de estos (y otros) fotógrafos, solo puedo evidenciar la diferencia entre ellos y Curtis sobretodo en el acabado e intención de sus imágenes.
La mayoría de las fotografías de Indios de los autores americanos del siglo XIX son tomas y copias meramente descriptivas. Creo que toda esa gente, se movía con fines científicos, de modo que su obra era sólo un instrumento de transmisión científica.
O´Sullivan, por ejemplo, fotografía cadáveres del rastro de las batallas de la Guerra Civil con una mirada muy franca, muy descriptiva y sin grandes dramatismos. Tanto Hillers como Vroman, en sus retratos, no muestran más que fotografías de personas y el hecho que fueran Indios, no fue relevante más que para ellos. Sólo plasman la imagen de los nativos.
En cambio, Las imágenes de Curtis no hacen otra cosa que envolver a los Indios de un halo de misterio y misticismo. Igual que Cappa años después situó a los guerrilleros y resistencias como héroes ensalzándolos en sus fotografías, Curtis nos presenta a una gente unida a su entorno lleno de tradiciones.

En el aspecto técnico Curtis lleva mucha ventaja también, tanto en la toma como en el positivado. Curtis es un artista de la técnica como demuestran sus obras. Sus tomas son básicamente en exteriores y con luz natural, usaba en la mayoría de casos como fondo para retratos las mismas pieles de los Tipis y aún así, la calidad de sus obras es difícilmente superable hoy en día con los medios que hay.
El empeño de Curtis por mostrar las tradiciones de los indios inquebrantables le llevó incluso a retocar fotografías para eliminar rastros del hombre blanco y hay quien dice que incluso les hacía "inventar" danzas, ritos e incluso vestimentas ancestrales para explotar más ese aire místico de la vida india.

Quizá fuera por convivir con ellos (los Indios), que Curtis tuvo otra manera de verlos, dando lugar a otra manera de fotografiarlos y mostrarlos al público.
Hay que decir también, que cuando Curtis comenzó su trabajo en 1903 tuvo grandes dificultades para ser aceptado por la comunidad india. Hay que pensar que la mayoría de científicos y etnógrafos veían a los indios más como objetos y seres inferiores que como iguales y la relación entre blancos e indios era bastante limitada por ambas partes.

Pero tras su tesón y perseverancia y tras ver el gran trabajo de recuperación y conservación de tradiciones que estaba haciendo, fueron luego los mismos jefes de tribu los que le buscaban para inmortalizar la esencia de sus razas, las cuales veían peligrar a medida que pasaban los años.

BIBLIOGRAFÍA Y FUENTES

La mayor parte de la información la he extraído de tres libros y varias webs, aunque hay información recopilada de algún conocido internauta que conce la historia americana.

- “Edward S. Curtis” de Hans Christian Adam. Ed. Taschen.
- “American Photographers” del Nacional Museum of American Art. Ed. Smithsonian.
- “Historia de la Fotografía” de Beaumont Newhall. Ed. Gustavo Gili.
- www.zona10.com.mx
- hearstmuseum.berkeley.edu
- www.getty.edu
- memory.loc.gov
- 138.23.124.165/ (University of California Riverside)
- www.clt.astate.edu
- en.wikipedia.org

Un pequeño video -en inglés- sobre Curtis (thanks Jay for the links):
- The Indian Picture Opera

Agradecería cualquier corrección y/o errata, así como cualquier ampliación en cualquiera de los aspectos del texto. Estos artículos están totalmente abiertos a la colaboración de quien lo desee.

Un saludo.

Fotografía

2007-10-24T23:18:00.000+02:00

Estuve en el pasado Sonimag Foto y me llevé una gran decepción y una no tan gran sorpresa.

Tanto la decepción como la sorpresa son parte de un mismo asunto. Lo único que llamó mi atención fueron las exposiciones de fotografía, haciendo que mi visita durara apenas 40 minutos.

Hace poco más de tres años, disfrutaba con cámaras nuevas, super sensores, mega objetivos, atesoraba libros de Photoshop, me descargaba mil y un programas o plugins o.., tecnología y técnica, poco más.
Buscaba fotos perfectas, con definición suprema y colores saturados hasta casi reventar. Era el más listo, el más “friky” y siempre estaba deseando más. Más cámara, más objetivos, más lo que sea.

Empecé a estudiar fotografía e iba, para mi mismo, de sobrado. Exposiciones, revelados, megapíxeles, sistema zonal, profundidad de campo, Photoshop, colorimetría… Estaba chupado.
Una vez llegaba a casa, sin nada que estudiar, ni si quiera repasar, se me hinchaba un poco el ego y.., estaba bien, ¿no?

Pero llegó el bofetón de la mano de una profesora, creo más joven que yo, y de unos cuantos fotógrafos que echaron parterre todo mi gran mundo de super fotografía.

Edward Sheriff Curtis
Walker Evans
Edgard Weston
Josef Koudelka
Eugene Smith
Alexandr Rodchenko
Saudek
Pérez Siquier
J. M. Castro Prieto
Chema Madoz
Richard Avedon
Imogen Cunningham

Y la lista seguiría llenándose un rato más.
La fotografía me hizo ver fotografía más allá de la mera estética casi costumbrista que se busca y hace en los foros, tanto por parte de muchos de los que empezamos como de los que llevan ya tiempo.

Hoy sigo asombrándome al ver obras que ya conozco y me veo casi cada día descubriendo más y más, de antes, de ahora, de lo que pueda venir y de lo que pueda llegar a hacer.

Tengo una cámara digital de tres años de antigüedad que compré pensando en el modelo por la que la cambiaría y es ahora, a raíz de Sonimag, que me he dado cuenta que la cámara que llevo no es la que hace las fotos.

Durante toda esta catarsis en la que me metieron miles de fotografías en blanco y negro, quemadas, subexpuestas, borrosas y con mil y un tipos de grano, el que ha hecho las fotos he sido yo y viendo las imágenes, después de todo, da igual que la cámara se llame S3 que F80 que Holga o que sea de cartón y cinta negra.

Toda la parrafada de arriba es sólo una excusa para compartir. Si después de leerlo te pica el gusanillo por alguno de los nombres que no conoces, por saber algo más de lo que ya sabes o por volver a ver (JH sabe de lo que hablo) las panorámicas de Koudelka, sonríe y hazlo, porque tenemos ya algo en común.

Fotografía señoras y señores.

Un saludo.

Diario de un obrero

2007-10-23T23:37:00.001+02:00

Me gustaría, en éste blog, poner muestras de trabajos de gente que conozco y comentarios sobre los mismos.

De igual modo, me gustaría poder colgar también comentarios de otros tantos que creo también tienen cosas interesantes que decir, aquí o donde sea.
Para iniciar una sección de trabajos, teniendo en cuenta que el blog es “mío” y porque yo lo valgo, el primer trabajo que presentaré es el mío (sí, sí, valga la redundancia).

En ésta dirección: Diario de un Obrero, podéis encontrar mi último trabajo fotográfico. Una especie de fototerapia con visos de desnudo personal. En la misma introducción del mismo está explicado y presentado.
Recomiendo, eso sí, a la hora de verlo, leer el texto, pensar en lo que en él se dice unos instantes y sin abandonar la idea, mirar la foto, no sólo verla.
Incido en el verbo mirar, porque al igual que pasa con los oídos y con el verbo escuchar, mirar implica poner atención en lo que está ante la vista, mientras que ver es natural de un ojo sano. Ya nos entendemos, ¿no?

A colación del trabajo, quiero comentar un incidente ocurrido en Caborian (foro de fotografía). Colgué el enlace a la web del trabajo en la sección de fotografía social y un moderador lo cerró por no ser una foto. Hubiera estado de acuerdo, pese a que el trabajo consta de 18 imágenes que van indisolublemente unidas y creo que no se puede tener una visión correcta del mismo viéndolas separadas tanto en espacio como en tiempo.
Pero lo que realmente me dolió, fue que el moderador se mofara del mismo con la sorna de que debería haberlo puesto en un foro de literatura, no de fotografía.

El tema está zanjado, sólo me sirve de introducción para comentar cómo veo, en parte, la fotografía en los foros. De hecho, en alguno de ellos, pues no los conozco todos.
En particular, soy forero de Ojodigital, del cual sé que se habla tan bien como mal.
Como me han dicho últimamente, “éste foro es la leche, pero estoy enganchado a él” y, je, resume bien lo que pienso al respecto.

No sé si un foro es reflejo de todos. Ni si quiera si puedo sacar conclusiones basándome en lo que veo en él. Además, es tan sólo un sitio más.
Se dice ahora, es casi un tópico, que la fotografía está hoy en día al alcance de todos. Puede ser que sea así, pero no todos tienen la fotografía a su alcance. Por ello he decidido, en gran parte, iniciar éste blog.

Para blogs de novedades y curiosidades técnicas, de avances y cosas por el estilo (interesantes por otra parte), hay ya estupendos sitios como los de Mauro (Fotomaf) y Sergio de la Torre –añadidos en la sección de enlaces-.
En éste blog, pretendo hablar más de fotografía, por ello estoy abierto a posibilidades y espero que conocidos, amigos y amiguetes quieran pasarse por aquí con algún que otro artículo interesante.

Así que, segunda entrada, primer trabajo de muestra.

Si os apetece comentarlo, por favor hacedlo aquí o en el mail que reza en él.

Un saludo.

¿No conocéis a Nan Goldin?

2007-10-22T21:32:00.000+02:00

¿No conocéis a Nan Goldin?

No, no conocía a Nan Goldin.
Hablando en clase sobre criterio fotográfico salió, a modo de reprimenda por parte del profesor, el nombre de Nan Goldin y algo de asombro por parte del mismo al ver que de más de 20 estudiantes de fotografía nadie había oído hablar de ella.

Atento a nuevos saberes, como siempre, apunté el nombre de un nuevo autor que busqué esa misma noche en la red mientras al lado, mi hija dormía y mi mujer, casi dormitaba ante la caja tonta.

¿Nan Goldin? ¿Gran fotógrafa?
La verdad es que lo que vi me descolocó un poco.
Fotos feas, retratos antiestéticos, enfermos, travestidos… Sentí en un primer momento la misma sensación que tuve al conocer la obra de Diane Arbus.
Poco después, decidí incluir a la fotógrafa neoyorquina en un trabajo sobre fotografía familiar por motivos obvios.

Para entender la obra de Golding, hay que dejar atrás los prejuicios del que descubre la fotografía de la mano de clásicos como A. Adams, H.C. Bresson, E. Smith y otros tantos que han escrito con plata la historia de la fotografía.

Goldin es, a priori, una cruel y fría bofetada visual. Su obra se basa en la misma idea que seguramente tuvo Eastman Kodak al comercializar sus “cámaras para todos”, el album familiar.

Nan Goldin atesora momentos de su vida, como hacemos todos. Reuniones familiares, de amigos, fiestas, días de campo y playa… Lo que nos separa es, que ella no solo inmortaliza los grandes y buenos momentos que todos queremos recordad a medida que se acerca, antes o después, la muerte y la vejez. Ella atrapa pedazos de una vida, la suya, en la que los malos momentos hablan más y mejor que los buenos.
¿A quién se le ha ocurrido alguna vez coger la cámara de fotos durante la agonía de un buen amigo?
Su fotografía esta totalmente carente de reglas y estilos, aunque se una paradoja el crear algo propio, y la crudeza y fuerza de sus imágenes está precisamente en esa falta de reglas estéticas. Son las fotos que todos hacemos, abuelos, padres tíos y hermanos, pero son fotos de una realidad que pocos conocemos o queremos conocer.

Ahí está la trampa. Es real. Tanto que produce rechazo inicial, pero tanto que te puede llegar a enganchar.

Aquí, sólo una pequeña muestra de algunas de sus fotos. Espero haber intrigado, al menos un poco, y que alguien se sienta tentado a saber y ver más sobre ésta fotógrafa fuente de polémica y controversia.

Un saludo.